Die Schönheit dieser Objekte liegt sowohl in der Textur des Klangs als auch in der Eleganz des Codes.
Seit Jahrhunderten flirten Musiker mit Technologie und überschreiten die Grenzen der Kunst - vom Theremin bis zu den Experimenten mit dem Film der Mitte des letzten Jahrhunderts. Trotz dieser Hobbys haben Versuche, Musik mit Software-Code zu generieren, eine sehr kleine Nische für sich gewonnen. In den letzten 70 Jahren befanden sich die wenigen, die es gewagt haben, an der Schnittstelle des Venn-Diagramms zwischen Programmierern und Avantgarde-Musikern.
Die Ergebnisse dieser Arbeiten sind anders als alles, was Sie jemals gehört haben - und einige der ehrgeizigsten Bemühungen bestehen darin, analoges und digitales Audio miteinander zu verbinden.
Ich habe mit Leuten gesprochen, die Code verwenden, um Musik aller Art zu erstellen, von einfachen Samples über algorithmische Live-Radiosendungen bis hin zur Förderung der marxistischen Qualitäten von Open-Source-Software. Obwohl sie technologisch ausgefeilte Techniken anwenden und in die Tiefen der Algebra eintauchen, suchen sie alle nach etwas Einfachem: einem kreativen Sandkasten, der nicht durch die Konventionen von Zeit und Theorie eingeschränkt ist.
"Die vom Programm vorgeschlagene Denkweise"
Komposition aus Karl Stones neuem Album " Stolen Car "
Karl Stone bastelt seit 1973 an Samples (in der Umgebung von Soundmanipulatoren wird das Verb "to mangle", was "verzerrt" bedeutet, verwendet, um diese Manipulationen zu bezeichnen). Er nimmt sie aus der kommerziellen Musik heraus, zerreißt sie und klebt sie auf bedeutungslose Weise wieder zusammen. Die Ergebnisse können von einem beliebten Lied, das rückwärts abgespielt wird, bis hin zu automatischen Aufnahmen mit den Klängen einer menschlichen Stimme alles ähneln. Daher war ich (nachdem ich im Februar 2020 eine Übertragung gehört hatte, die wie ein Soundangriff aussah, bei dem ältere Menschen ihre Ohren verstopften) nicht überrascht, dass er ausschließlich Max verwendet - eine Programmiersprache, die von vielen für die Erzeugung von Musik und Multimedia geliebt wird. Dies ist ein visueller Arbeitsbereich, in dem Musikteams arbeitenbezeichnet durch modulare Blöcke, die durch virtuelle Verbindungen zusammengehalten werden. Durch die kostenlose Gestaltung des Programms können Sie beliebige Experimente durchführen.
"Jede Programmiersitzung beginnt mit einer sauberen Tafel", sagt Stone. „Es ist nicht wie bei jeder anderen kommerziellen Software, die Annahmen und Optimierungen enthält. Das Ableton Live-Programm, das ich zum Beispiel respektiere, schränkt das Denken des Benutzers durch sein eigenes Framework ein. "
Ohne diese Leitrahmen sind Stones Kompositionen geradezu surreal. Er vergleicht seine aus Proben gesammelten Werke mit Anagrammen: "Sie haben eine Ähnlichkeit mit der semantischen Bedeutung, sind aber seltsam."
Stone, 67, geboren in Los Angeles und Absolvent von CalArts, hat wenig Programmiererfahrung und schreibt seit 1986 Musik auf Computern. Er hat mit algorithmischen Musikprogrammen der 80er Jahre wie Jam Factory und dem einflussreichen Music Mouse-Programm von Laurie Spiegel gearbeitet. Er beschreibt Computer in den 1980er Jahren als "tragbar" und tourte viele Jahre mit dem Macintosh SE / 30.
Karl Stone trat Anfang der 90er Jahre live mit einem Apple Macintosh SE / 30 auf.
Ein typisches Beispiel für den Arbeitsbereich von Max Stone.
Kopieren Sie diese Diskette nicht?
* "Kopieren Sie diese Diskette nicht" - ein Verweis auf eine bekannte Werbung gegen Raubkopien von Software / ca. übers.
Stone entdeckte Max (benannt nach dem Computermusikpionier Max Matthews ) 1989, als er in einer Kunstresidenz in Japan lebte, als ein Freund ihm eine Raubkopie einer Diskette mitteilte. Zu diesem Zeitpunkt konnte Max nur Informationen im MIDI-Format senden und keine Signale verarbeiten. Stone begann mit ihm aufzutreten, oft mit japanischen Videokünstlern, Tänzern und Musikern.
Er überwachte viele Jahre die Transformation des Programms: Später umfasste es die Signalverarbeitung und die Videostream-Verarbeitung. Das Programm wurde auf mehrere Unternehmen aufgeteilt, und Stone wurde in verschiedenen Phasen seiner Entwicklung zum offiziellen Betatester. Schließlich gründete einer der Entwickler des Programms Cycling '74, um es zu verkaufen. Eine Drittfirma verwendete Max als Prototyp, um das äußerst beliebte Musikprogramm Ableton Live zu erstellen . Infolgedessen verschmolzen die beiden Programme, und dann übernahm Ableton Cycling '74 vollständig.
Stone hat sich vorhersehbar Abletons erzwungenen linearen Zwängen widersetzt, und seine jüngste Arbeit klingt radikaler als die von vor 30 Jahren (eine seiner neuen Kompositionen ist der elektronischen Subgenre- Dampfwelle sehr ähnlichobwohl er selbst behauptet, nichts von ihm gehört zu haben). Er tritt mit einem iPad, einem Laptop und einem Filzhut auf dem Kopf auf. Es verwendet das OSC-Protokoll (Open Sound Control), um Steuerdaten an die Max-Patches zu senden. Seit 2001 lebt er in Japan und unterrichtet an der Chukyo-Universität. Er verbrachte jedoch die Quarantäne in Los Angeles, um japanische Studenten um 2 Uhr morgens Ortszeit durch Zoom zu unterrichten.
Sein letztes Album "Stolen Car" (ein Anagramm von seinem Namen Carl Stone) wurde am 25. September veröffentlicht.
"Code ist Musik"
Während Stone an einem kommerziellen visuellen Programmierprodukt arbeitet, sind Programmmusikliebhaber in Berlin, Oslo und Stockholm auf eine Open-Source-Textsprache umgestiegen. Eines der Zentren dieser Kunst ist das XKatedral Stockholm Label . Mitbegründerin Maria Horn, Mitarbeiter Daniel Carlson und Musiker David Granström haben mich um 4 Uhr morgens (meine Zeit) aus ihrem Studio per Videolink angerufen. Sie präsentierten ihre antike Black Metal Orgel und einen Blick auf Mälaren, Schwedens drittgrößten Süßwassersee.
Patch von Maria Horn mit SuperCollider
Alle drei kreieren ein elektroakustisches Drohnen- Genre, das an experimentelle Musiker und Bands wie Tim Hecker , Sunn O))) erinnertund Taylor Dupree . Ich wage es, diese Musik als die perfekte Begleitung zu charakterisieren, um sich in der schwedischen Tundra zu verirren. Sie verwenden die 1996 veröffentlichte Sprache SuperCollider und entwickeln sich seit 2002 aktiv als Open-Source-Projekt. Sie treten mit MIDI-Controllern auf, obwohl Granström die puristische Phase "Code is Music" durchlief, als er nur neben seinem Laptop stand und seinen Patch ausführte.
Als sie am Royal College of Music in Stockholm mit dem Codieren begannen, fanden Horn und Carlson die Sprache äußerst schwierig - bis sie anfingen, "Muster" zu verwenden, eines der fünf SuperCollider-Paradigmen. Sie arbeiten mit zustandslosen deklarativen Phrasen und ermöglichen so eine schnellere und natürlichere Erstellung. Granström verwendet auch Muster, aber da ihn jeder in der Gruppe als Genie bezeichnet, beherrschte er diese Sprache leicht.
"Ich war wirklich beeindruckt, dass SuperCollider kostenlos war", sagt Horn. - Wenn Sie gerade erst mit der Musikprogrammierung beginnen, ist der Kauf eines Programms wie Max ein sehr wichtiger Schritt für Sie. Und mir hat die Tatsache gefallen, dass es bereits eine Community rund um das Programm gibt, in der man voneinander lernen kann. " In der Diskussion dieses Themas erklärt Carlson, was das Duo unter "frei" versteht - "Open Source, Rechtsfreiheit nach den Vorschriften von Stallman". Und als Horn die disruptive Natur von Open Source-Software beschreibt, fügt Carlson hinzu: „Ich möchte, dass jeder Zugriff auf alles hat. Ich möchte, dass jeder freie Meinungsäußerung hat. Ich bin Marxist. "
Horn unterbricht die Diskussion mit einem einzigen Wort - "Kult" -, während Carlson beginnt, das Thema seiner ausgleichenden Bestrebungen nach Open Source in der Kunst mit aller Macht zu entwickeln. Horns jüngstes Projekt, Kontrapoetik , verwendet experimentelle Hinweise auf soziale Gerechtigkeit in Bezug auf Schwedens Arbeiterbewegungen, Hexenprozesse und feministische Interpretationen des Satanismus. Sie können sich die Projekte der Dreifaltigkeit anhören, indem Sie den Links ( Link , Link , Link ) folgen .
24 Stunden Chaos
William Fields 'FieldsOS-Komposition
Im Gegensatz zu den oben genannten Musikern spielte William Fields aus Philadelphia nie ein "echtes" Instrument (die Schweden spielten in einer Metal-Band, und Stones Noise-Band kam kürzlich wieder zusammen, um ihr 55-jähriges Bestehen zu feiern). Fields baute sein eigenes Instrument.
Der 42-jährige Fields hatte schon immer eine Leidenschaft für Computer. Alles begann mit seinem ersten Commodore 64 und setzt seine IT-Karriere fort. In den 90er Jahren verwendete er DAWs (Digital Audio Workstations - so etwas wie Ableton) und zeichnete alle Notizen sorgfältig von Hand. Als seine ganze Freizeit den Kindern gewidmet war, die in der Familie auftraten, begann er zu improvisieren. Zunächst modulierte er Live-Auftritte von Freunden und fügte zusätzliche Audioeffekte hinzu. Allmählich entwickelte er immer mehr Effekte, bis er sein eigenes Aufführungssystem entwickelte, das er noch nicht veröffentlicht hatte.
Sein System läuft auf einem Laptop mit REAPER und JSFX, um Sound zu erzeugen. Alles wird vom iPad über eine Schnittstelle gesteuert, die speziell für die Lemur-Anwendung entwickelt wurde. Er nennt sein System FieldsOS und sagt, dass man mit einer selbst gestalteten Oberfläche "das Muskelgedächtnis entwickeln und sein eigenes Instrument sehr gut spielen kann".
Die Schnittstelle für FieldsOS auf dem iPad von Fields
Das Interessanteste begann, als er eine Schaltfläche erstellte, mit der alle Parameter zufällig ausgewählt wurden. „Durch Randomisierung kann ich den Raum musikalischer Möglichkeiten erkunden und interessante Orte darin finden, die ich sonst nicht finden würde“, sagt Fields. "Sonst würde ich 4/4-Rhythmen mit Snaredrums auf Takt 2 und 4 machen."
Er fing an, die Eigenschaften der Zufälligkeit so zu optimieren, dass der Klang nicht ganz schrecklich war, und kam schließlich zu den Tasten, die er "Genre" nennt. „Zuerst habe ich einen Techno-Button gemacht. Es hat bestimmte Dinge eingeschränkt - zum Beispiel eine 4/4-Bassdrum garantiert. "
Bald begann er, Prozessautomatisierung mit JavaScript hinzuzufügen. FieldsOS beschränkte sich durch Drücken der Neustarttaste alle 30 Sekunden. "Es war wie ein Spielautomat", sagt er. Er bewarb sein Konzept im experimentellen britischen Radio Resonance Extra. Er erhielt eine Stunde Pause und widmete jede Stunde seines Programms einem neuen Genre-Button, codierte sie einmal pro Woche und sendete sie ohne Bearbeitung. Zu den Genres gehörten Footwork, Wonky und UK Garage sowie seine eigenen erfundenen Genres wie "Brownian Techno", in dem die Komposition allmählich auseinander fällt, und "Zuchtmusik", in der die Songs miteinander "spielen". Schließlich fing er an, Genres zu vermissen und veröffentlichte ein 24-Stunden-Archiv als Album auf der Bandcamp-Website.und endete damit. Der futuristische Glanz des massiven 24-Dollar-Albums scheint sich zu beschleunigen und in Richtung Unendlichkeit zu gehen.
Fields sucht derzeit nach einem Entwickler für mobile Apps, der FieldsOS in ein kommerzielles Produkt verwandelt. Sein neues Album "Traction" wurde am 4. September veröffentlicht.
"Einbetten von Schleifen in Schleifen"
TidalCycles-Demo aus einem aktuellen Stream von Alex McLean
Ich habe mit drei Personen in der Live-Codierungsbewegung gleichzeitig gesprochen - dem Community-Erfinder Alex McLean und Genre-Enthusiasten Daniel Raeger (Spitzname {Brandstifter}) und Mike Hodnik (Spitzname Kindohm) -, als sie darauf bestanden Ihre Geschichten sind eng miteinander verbunden. Sie verwenden die TidalCycles-Desktopumgebung für die Live-Codierung von Musik. Es ist eine Bibliothek für die Haskell-Sprache mit einer eigenen DSL (Digital Simulation Language), die als Tidal Mini-Language bekannt ist (ja, TidalCycles wurde vor Jay-Zs Streaming-Service einfach "Tidal" genannt).
Im Grunde ist es ein komplexer Synthesizer - er hat kein Signalausgangssystem wie das Max, aber Künstler verbinden es mit dem SuperCollider und einer Vielzahl anderer Instrumente. Alle, mit denen ich gesprochen habe, sprachen über die Fähigkeit, komplexe Soundtracks mit nur wenigen Codezeilen zu erstellen. Raeger mag die algebraische Herangehensweise des Programms an Musik und die Fähigkeit, Drum-Parts mithilfe von Restteilungsalgorithmen zu schreiben.
Der Erfinder von TidalCycles, Alex McLean, begann 2002 mit dem Live-Codieren mit Perl, aber er mochte die Verzögerungszeiten des Computers nicht. Er ließ sich vom Tabla-Aufnahmesystem von Bol Processor inspirieren und schuf eine Umgebung, die den Benutzer in eine "enge Rückkopplungsschleife" seiner eigenen Musik eintaucht.
„Es geht um Radfahren, metrische Strukturen und Polyrhythmen, weshalb das System TidalCycles heißt. Es geht darum, Loops in Loops einzubetten und diese zu transformieren“, sagt McLean. "Es geht eher darum, Musik als Verhalten als als Notation zu präsentieren." McLean liebt Muster als Konzept. Bei der Arbeit erforscht er die Strukturen der Textilpraktiken des antiken Griechenland. Er integrierte die Programmierung in diesen Prozess, indem er einen elektromechanischen Webstuhl schuf .
Er veröffentlichte TidalCycles im Jahr 2009. Er hat eine aktive Anhängerschaft und beginnt Tanzpartys zu veranstalten, die er und sein Freund Nick Collins (einer der Autoren des Buches über SuperCollider) "Algoraves" nennen.
Werkzeuge enthüllen
SWGbbo Algorave, eine virtuelle 16-Bit-Algorave, die am 26. Juni 2020
- 10-13 Algoraves stattfindet, findet in Workshops, alten Theatern, anderen Veranstaltungsorten sowie in normalen Clubs statt. An einer Veranstaltung können 20 bis 150 Personen teilnehmen - oft Geeks, die Musiker geworden sind, oder Musiker, die Geeks geworden sind. Künstler zeigen häufig Bilder von Laptops auf einem großen Bildschirm an, damit die Teilnehmer sehen können, was sie tun. "Das Entfesseln Ihrer Werkzeuge ist ein Markenzeichen dieser Community", sagt Raeger. "Das Gegenteil von vielen Menschen in der Kunst, die versuchen, ihren kreativen Prozess geheim zu halten."
Einige Musiker, insbesondere etwa die Hälfte der von mir interviewten, programmieren die Visuals.für ihre Sets. In der Community gibt es eine Debatte darüber, ob es sich lohnt, ein Programm von einem schwarzen Bildschirm oder sofort von vorbereiteten Vorlagen aus zu starten. Raeger und Hodnik verwenden Vorlagen, während McLean von nichts ausgeht.
Die Bewegung hat sich mit Live-Streaming gut an die moderne Welt angepasst. "Die Vorliebe für das Teilen Ihres Bildschirms passt gut zum Streaming", sagt Hodnik. Partys finden häufig in virtuellen Clubs statt, auf die mit einer Virtual-Reality-Brille oder durch Öffnen einer Seite in einem Browser zugegriffen werden kann. Ihr Avatar kann auf dem virtuellen Clubbildschirm (häufig über Twitch gestreamt) zu Live-Codierung tanzen. Sie können dem Algorave-Poster auf Twitter Algorave ”und TOPLAP folgen . Raegers
neueste Alben ,Hodnik und McLean finden Sie auf den Links.
Eine Aussage außerhalb der Musik
Wenn Sie der Meinung sind, dass sich diese Musik nicht sehr von der Musik unterscheidet, die mit Plattenspielern oder herkömmlichen Programmen gemacht wird, haben Sie wahrscheinlich Recht. Die Aussage der Künstler beinhaltet nicht unbedingt die Komposition selbst - es kann ein Aufruf sein, ihre eigene Musik oder ihr eigenes Instrument zu programmieren.
"Beim Programmieren von Musik geht es nicht darum, auszudrücken, was in meinem Kopf ist", sagt McLean. „Es geht nicht um KI. Es geht nicht darum, den Computer zum Erstellen zu bringen. Und nicht, dass der Computer Ihnen hilft, sich auszudrücken. Der springende Punkt ist, Ideen umzusetzen, zusammenzustellen und zu sehen, was passiert. Verwenden von Code als kreatives Material. Aber das Ergebnis kann Sie überraschen. "